Eu não GOSTO de arte!

Eu não GOSTO de arte!

“Eu não gosto de arte” é uma coleção de ensaios e entrevistas de Graham Crowley que considera a ideia de que simplesmente “gostar” de algo em um contexto crítico é banal.

Não há riqueza sem vida. ”John Ruskin”

Sempre que ouço alguém dizer “não gosto de arte”, sinto-me ofendido. Eu sempre achei que gostar de arte era algo óbvio. Isso nos dá muito – não é? Um irritante eco do meu passado, talvez? Eu cresci em um mundo do qual a arte estava ausente. Meu pai achava que as escolas de arte eram “cheias de comunistas”. Nós nos separamos. O ano foi 1968.

Nós não pensamos em arte. Na verdade, raramente pensamos em muita coisa. Nós éramos ingênuos. Agora acho que estamos empobrecidos. O que é trágico é que não temos as reservas emocionais e intelectuais (que ironicamente a arte pode fornecer) para perceber isso, quanto mais fazer algo sobre isso. Eu estou convencido de que minha vida sem alguma forma de esforço criativo teria sido desesperada e feia. Ir para a Escola de Arte de St. Martin mudou tudo, particularmente eu.

“Eu tenho um problema. Eu sou um intelectual, mas ao mesmo tempo não sou muito inteligente”. Adrian Mole

Quando a palavra ‘like’ é usada em qualquer discussão sobre arte, ela revela uma casta de mente fácil e casual. Uma falta de compreensão e um desprezo velado. Eu associo a palavra com compras ou escolhendo uma cobertura de pizza. Para mim, arte é sobre valores. A arte garante respeito porque nos oferece a oportunidade de fazer “melhor”. Eu percebo que isso é controverso, mas melhor, para mim, significa uma sociedade que é confortável consigo mesma. Isso envolve maior empatia, mais reflexão, respeito e generosidade. Não significa mais rico ou famoso. Isso significa fazer arte porque vale mais a pena do que ser lucrativo e ser criativo, em vez de passivo. É provavelmente por isso que os islamistas têm tanto medo da arte. Oferece-nos um vislumbre de autonomia.

Não tenho mais certeza de que gosto de arte. A palavra arte é e sempre será problemática. É a palavra “like” que estraga a festa. Esta é uma das razões pelas quais me refiro a mim mesmo como pintor e não como artista. Eu considero a pintura como um discurso e uma ocupação. Um que me permite ultrapassar a fronteira entre pensamento e ação, ficção e não-ficção. Eu sempre fui em desacordo com o mundo da arte, particularmente desde a sua dominação pelo mercado de arte. Um lembrete  se necessário – de que agora é um componente importante em um mundo no qual riqueza e celebridade se tornaram onipresentes.

Uma distinção costumava existir entre o mundo da arte e o mercado de arte. Até o final dos anos 80, o mundo da arte era uma via de mão dupla. Em uma direção, havia debates sobre significado e valor. E na direção oposta estava a mercantilização e o produto. Eles coexistiram em um equilíbrio desconfortável, alimentado por mal-entendidos e desprezo mútuo. Os artistas tinham um espaço cultural onde poderiam ser seus próprios mestres.

“É a marca de uma mente educada, ser capaz de entreter um pensamento sem aceitá-lo”. Aristóteles

As escolas de arte costumavam postular valores alternativos, mas agora a intolerância política e a ganância do capital mudaram tudo isso. Eles não mais educam, eles só certificam. Eu me considero feliz por ter frequentado a escola de arte em 1968. Eu recebi o tipo de ensino superior que não está disponível agora.

Sendo ensinado por pessoas como Peter de Francia, John Golding e Richard Wollheim, incutiram em mim a ideia de que é preciso um esforço supremo não apenas para fazer arte, mas para discuti-la de uma maneira sucinta e livre de jargões. A arte falada é sofisma. Talvez seja por isso que rejeito as noções atuais de sucesso. Eu considero a trivialidade de uma celebridade, capital e mídia como uma ameaça a uma sociedade aberta e criativa. A ideia de que riqueza equivale ao sucesso é a mitologia corporativa. A arte pode fazer melhor. O tipo de arte que domina é a arte obcecada por si. Arte para o difícil exercício de pensar. Eu tenho uma sensação de satisfação (como nenhuma outra) quando estou fazendo alguma coisa. Para mim, essa coisa é uma pintura. Mas uma vez que parei de trabalhar em uma pintura, a sensação de satisfação não é porque “gosto” do que fiz, mas simplesmente porque “fiz alguma coisa”. Na maior parte do tempo, não “gosto” ou “não gosto” do que fiz, mas muitas vezes lamento o que fiz. Gostar ou não gostar impede a reflexão porque parece oferecer julgamento como resolução. “Gostar” neste contexto é invariavelmente eufemístico e evasivo. Não resolve nada. É uma reminiscência do uso hipócrita da palavra “interessante”, é um obstáculo no processo de pensamento.

“O livro é cheio de vida – não como um homem, mas como um formigueiro”. Ludwig Wittgenstein

O que importa é que eu tive a oportunidade. As estimativas de qualidade e valor não devem depender de gosto, preconceito ou moda. É por isso que a educação é tão importante. A educação é essencial para estabelecer um senso de valor e qualidade. Não há como escapar do fato de que o valor é uma expressão do social e é invariavelmente político. Os anos 70 foram dolorosamente políticos.

O confronto foi constante. Eu sei, eu estava lá. Durante a “revolução cultural” do final dos anos 60, as ideologias mais influentes foram o feminismo e o marxismo. A estética se tornou dominada pelo conceitualismo e pela arte conceitual. O pensamento político e filosófico estava informando e transformando as artes visuais. E por isso considero a história da pintura como sinônimo da história das idéias. Parte da teorização foi uma tentativa de desmercantilizar o objeto de arte. Para assumir o controle da produção – soa familiar?

Acho que um dos meus principais problemas com “gostar” é que não aceito que a qualidade seja uma questão de gosto pessoal ou totalmente subjetiva – longe disso. É sintomático de valores consumistas que são totalmente inadequados ao avaliar o esforço humano. Não é uma expressão de reflexão ponderada. É uma afirmação que é ao mesmo tempo indiferente e condescendente. A implicação é que a arte é de pouca “relevância” porque é o produto da subjetividade. Quanto mais cedo aceitarmos que é uma questão do que você sabe e como você pensa e não do que você pode ou não gostar, melhor. Nossa capacidade de reflexão e discernimento é o que nos eleva. O que é preocupante é que, à medida que os padrões de educação diminuem, esses tipos de julgamento tornam-se mais aceitáveis ​​e mais difíceis de desafiar.

Uma abordagem diferente é chamada. Uma maneira diferente de pensar. Uma arte que nos faz ver as coisas de outra maneira e depois pensar de maneira diferente. Olhando recebe uma má imprensa nos dias de hoje. Os revisores invariavelmente discutem o assunto de uma pintura como se fosse uma ilustração, permitindo que o contexto histórico ou sociopolítico dominasse. A pintura não é uma ilustração, a pintura nem é uma atividade – é um discurso. A primazia da visão é central para qualquer compreensão da pintura – e da condição humana.

“Quando olho para as pessoas, não vejo cores; Eu só vejo ideologias malucas.”Chefe Wiggum – Os Simpsons

Embora eu seja amplamente simpático aos sentimentos dos Stuckists, acho que eles perderam sua marca por causa de uma série de suposições e subseqüentes mal-entendidos que os levaram a acreditar que a pintura figurativa está ameaçada por  estar em competição com a arte conceitual. Esta é uma falsa dicotomia. O oposto é verdadeiro; muita pintura atual é fortalecida pelo legado do conceitualismo. Um paradoxo avassalador que rege o expressionismo e a espontaneidade é subseqüentemente ignorado. Esta é a decisão de se comportar de uma maneira intuitiva ou aleatória que, como qualquer decisão, é calculista e autoconsciente.

“Um homem embrulhado em si mesmo faz um pacote muito pequeno.” John Ruskin

O legado da arte conceitual é um lembrete da complexidade do processo criativo e da necessidade de desafiar constantemente suposições e ortodoxias. Essa mudança de consciência ajudou a contribuir para um senso de mindfulness na prática, que é algo que distingue a pintura pós-conceitual do pós-moderno. Uma prática de arte contemporânea mais ampla ainda não foi totalmente compreendida.

“Beleza é e sempre será céu azul e estrada aberta.” Dave Hickey

Como professor de pintura no Royal College of Art, presidi o conselho de exames de admissão. Durante esse período, insisti que não jogaríamos “Adivinhe a resposta certa”, uma forma estabelecida há anos de abuso institucionalizado. Isso é particularmente prevalente no nível de pós-graduação. É uma provação que ninguém, muito menos um candidato nervoso, tenha que suportar. Demonstra uma profunda falta de compreensão da educação – e muito menos da arte. A ideia de que a educação é uma questão de aprovação ou desaprovação (particularmente no nível de pós-graduação) é uma farsa.

Fiquei alarmado com o número de candidatos que disseram que o seu tutor “não gostou do seu trabalho”, como se isso tivesse algum significado material. Essa afirmação reveladora é sintomática de uma crise no ensino de belas artes.

“Para ver um mundo em um grão de areia e céu em uma flor selvagem, segure o infinito nas palmas de suas mãos e a eternidade em uma hora.” William Blake

Onde quer que eu olhe agora, essa pequena e inócua palavra insinuou-se no debate crítico. É comumente expresso como um julgamento, mas é invariavelmente capricho. A quantidade de peso que carrega é desproporcional. É desatenção mascarada como reflexo. Veio para caracterizar o pensamento relaxado. “Curtir” é popular com a geração “eu”. Um cartão “saia da cadeia livre” para aqueles que insistem em que o seu direito à auto-expressão é inquestionável; o ring-fencing de suposições.

Isso me lembrou que, há algum tempo, enquanto ensinava, descobri que, se eu dissesse aos alunos que não gostava ou não gostava do trabalho deles e que não gostava ou não gostava de arte em geral, eles estavam (compreensivelmente) perplexos.

Em vez de aprovar ou desaprovar a pintura, o texto, a instalação ou o que quer que estivesse sendo discutido, imagino que eu fosse o autor do trabalho em questão. Eu me perguntaria por que eu fiz isso? O que eu faria agora com isso? O que eu estava pensando? Esse método empático e imaginativo fez com que eu tivesse que falar sobre o objeto em questão – como se eu fosse o artista e não um espectador. Eu não aprovaria nem desaprovaria. Eu descreveria, contextualizaria e analisaria.

“A maior recompensa pelo trabalho de um homem não é o que ele recebe por isso, mas o que ele se torna com isso.” John Ruskin

Recentemente, descobri que, se eu não usar a palavra “arte”, preciso pensar no que estou dizendo, como se estivesse falando em um segundo idioma. É por isso que, em vários textos deste livro, evitei usar a palavra. Achei difícil escrever esses textos “artísticos” no começo, mas consegui produzir textos mais focados, livres de jargões e menos retóricos.

Eu acredito que a arte tem o potencial de nos tornar mais pensativos e talvez até mais inteligentes. Quanto mais cedo, nós (como acadêmicos) paramos de nos preocupar com o que Derrida tinha no café da manhã, melhor. George Steiner descreveu esse comportamento como cabala acadêmica. Nós temos uma escolha; podemos tentar falar sobre arte da mesma maneira que falamos sobre tudo o resto ou continuamos a nos apegar aos nossos sofismas e soar como charlatães.

“Qualidade nunca é um acidente. É sempre o resultado de um esforço inteligente. ”John Ruskin

http://www.grahamcrowley.co.uk

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